Earth, Wind & Fire – That’s the Way of the World (1975)

El mejor disco del grupo fue la banda sonora que escribieron para la película del mismo título protagonizada por un joven Harvey Keitel. Para los que no los conozcáis, la música de Earth Wind & Fire, es una mezcla de sonido Philly, funk y jazz. Maurice White, fundador y cerebro del grupo (prácticamente todas las canciones son suyas) era un curtido músico de sesión que había participado como batería en discos de Etta James, Fontanella Bass (la batería de su "Rescue me" es de White), Billy Stewart y muchos otros. También había ejercido de director musical en el debut de Minnie Ripperton, una obra maestra y el mejor disco de la malograda vocalista de registro estratosférico. Su participación más longeva antes de formar los EWF fue con Ramsey Lewis donde tomó contacto con el jazz y principalmente, la fusión de éste con otras músicas (que le daría magníficos resultados en su propio grupo) y se inició en el uso de instrumentos africanos como la kalimba. Este contacto con el continente madre le inspirarían hasta estéticamente como podéis observar en las portadas del grupo, repletas de simbología egipcia y africana. Este disco no es especialmente distinto a los demás de la misma época, excepto su debut, más escorado hacia el rock afroamericano, a Parliament y demás, y precisamente el disco más laureado por los coleccionistas. Pero el caso es que por los factores que fueran, las cosas fluyen con especial gracia aquí y componen su mejor colección de canciones. Este disco tiene la gracia de que captura a la banda en plena forma, recogiendo los mejores momentos en su mítico álbum "That's the Way of The World". Un período en que el grupo estaba derribando fronteras entre los géneros musicales y estableciendo su propia sonoridad, con este álbum Earth, Wind & Fire llegaba a los primeros lugares y tocaba el cenit por primera vez . Ganador de 3 Discos de Platino. Altamente recomendable.

1.Shining Star
2.That's the Way of the World
3.Happy Feelin'
4.All About Love
5.Yearnin', Learnin'
6.Reasons
7.Africano
8.See the Light
9.Shining Star (Future Star)
10.All About Love (First Impressions)
11.Happy Feelin' (Anatomy of a Groove)
12.Caribou Chaser (Jazzy Jam)
13.That's the Way of the World (Latin Expedition


Link

Queen – A Night at the Opera (1975)

Fantástico álbum de Queen con título de película de los hermanos Marx. Bajo tonalidad socarrona, suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, logrado en sus melodías y bastante ecléctico en la esencia de sus composiciones, con sonidos que van desde el hardrock hasta el pop pasando por el cabaret y sus particulares remedos operísticos. La clave de su éxito recae en la sabia combinación desde una postura teatral entre elementos rockeros con la ópera y el musichall. El acierto en la edificación melódica y la sugestiva grandilocuencia en sus incursiones vocales hacen de la música de Queen una accesible escucha, lo que provocó su gigantesco y longevo éxito epitomizado en este intachable trabajo, que contiene grandes canciones como "Death on two legs", "Lazing on a sunday afternoon", "You're my best friend", "'39", "Seaside Rendezvous", "I'm in love with my car", "The prophet song", "Love of my life" y, por supuesto, "Bohemian Rapsody", prontuario máximo de su sonoridad. "Bohemian Rhapsody". Es una canción de seis minutos en la que se tocan varios estilos,desde el rock hasta la opera. Es, sin lugar a dudas, la canción más compleja de Queen. En realidad se trata de 3 canciones en una; una balada, una ópera y una parte de hard-rock. Pero lo más complicado fue la parte de ópera. Duró siete días y en cada sesión se grababa entre 10 y 12 horas. Se mezclaron 180 voces con fragmentos de guitarra, piano, bajo y batería. En definitiva, se tardó en grabar la canción completa 3 semanas. Pero el esfuerzo valió la pena, ya que el single "Bohemian Rhapsody" estuvo nueve semanas seguidas en el número uno, batiendo todos los records. Queen hizo historia en este disco, ya que fue el primer grupo en utilizar un videoclip para promoción. El video se rodó tan solo en 4 horas y costo 4500 libras, y en él aparecen los cuatro componentes de la banda con un estilo parecido al de la portada del disco Queen II. Dos años más tarde de la edición de este vídeo, la MTV empezó a emitir videoclips de manera regular. Fue lanzado por EMI en el Reino Unido. En Estados Unidos lo publicó inicialmente Elektra Records, pero la discográfica Hollywood Records lo volvió a publicar en septiembre de 1991. El álbum llegó al número 4 en este país y ha sido certificado como triple platino (tres millones de copias vendidas). Este álbum fue nombrado por channel 4 como el mejor decimo tercer álbum de todos los tiempos. Este fue el primer disco número uno de Queen, y fue el disco más vendido del año 1975 en diversos países.

1.Death on Two Legs (Dedicated to...)
2.Lazing on a Sunday Afternoon
3.I'm in Love With My Car
4.You're My Best Friend
5.'39

6.Sweet Lady
7.Seaside Rendezvous
8.Prophet's Song, The
9.Love of My Life
10.Good Company
11.Bohemian Rhapsody
12.God Save the Queen

Link

Pink Floyd – Wish You Were Here (1975)

Tras el multimillonario "Dark Side of The Moon", Pink Floyd retrotrae la mirada a su primer líder, Syd Barrett, y le dedican desde su privilegiado estatus estelar este nuevo trabajo, un gran disco de rock progresivo de extensos y hechizantes temas rock con ligero soporte blues y opulentas texturas sónicas, expandidas con lacrimosas guitarras, etéreos teclados, flemáticos ritmos, atmosféricos sintetizadores y emotivas letras traspasadas con emocional vocalidad. El tributo a su antiguo compañero con las magistrales y cautivadores suites halladas en las dos partes de "Shine your crazy diamond" es un canto al talento de Syd Barrett y al desplome de su salud mental; canción melancolica, trepidante, pausada y absolutamente genial prueba del grado de perfección alcanzado por la banda.y la hermosa melodía acústica de "Wish you were here" junto a una visión ácida de la industria discográfica encontrada en las dos canciones de menor impacto del Lp, como son la afligida "Welcome to the machine" (recargada con sintetizadores y efectos para  identificar la maquinaria criticada, el tema brilla por la pesarosa forma de interpretar el texto) o la sarcástica y bluesy "Have a cigar", la pieza más floja del disco que está cantada por Roy Harper, son las materias desarrolladas por la banda británica, que consolidaron con este album su patronazgo del rock sinfónico. Wish You Were Here alcanzó el primer en lugar de ventas en ambos lados del Atlántico. Se dice que ni David Gilmour ni Roger Waters volvieron a ser los mismos después de este álbum...Quizás, nosotros tampoco. Un álbum imprescindible del Rock

1.Shine on You Crazy Diamond (Part One)
2.Welcome to the Machine
3.Have a Cigar
4.Wish You Were Here
5.Shine on You Crazy Diamond (Part Two)

Link

David Bowie – Young Americans (1975)

Young Americans es uno de los discos más exitosos y emblemáticos del camaleónico artista británico David Bowie, publicado en 1975. David Bowie se encontraba presentando su album Diamond Dogs por EEUU, cuando en Agosto de 1974 se encierra en los estudios de grabación Sigma en Filadelfia con el productor Tony Visconti para comenzar la grabación de un nuevo disco orientado totalmente a la música soul. Con este disco Bowie tomaba una nueva dirección musical, deshechando ya por completo su etapa glam rock y explorando el sonido soul de Filadelfia, incluyendo entre sus coristas a un jovencísimo Luther Vandross. Este disco contiene el primer número uno en las listas Norteamericanas de Bowie, el tema "Fame", coescrito con John Lennon (que también contribuyó con su guitarra y coros). Young Americans consagraría a David Bowie en EEUU vendiendo en poco tiempo más de medio millón de copias sólo en el mercado americano y otorgándole su primer número 1 en las listas de singles de USA. El disco se mantendría entre los trabajos más vendidos la friolera de un año entero.

1. Young Americans
2. Win
3. Fascination
4. Right
5. Somebody up There Likes Me
6. Across the Universe
7. Can You Hear Me
8. Fame
9. John, I'm Only Dancing (Again)
10. Who Can I Be Now?
11. It's Gonna Be Me (With Strings)

Link

Aerosmith – Toys in the Attic (1975)

"Aerosmith" uno de los grupos más importantes en la historia del Hard Rock, concebido en Boston - Massachusetts en los inicios de la mágica década del ´70, y que aún goza de una envidiable vigencia, banda americana por excelencia del genero, poseedora de una discografía tan amplia y enorgullecedora, además de una creciente cantidad de fans y millones de discos vendidos alrededor del mundo. Sus influencias stoneanas y zeppelianas se combinaron en los ´70 para formar un nuevo, fuerte y vigoroso sonido de rock pesado, amparado en un line-up de lujo, que más allá de ciertas idas y vueltas, ha permanecido intacto por más de 35 años. Una formación tan aceitada, que hace de sus potentes directos su principal aliado. Toys in the Attic, editado en 1975, es el tecer Lp del grupo, y podría definirse como el disco en donde definitivamente Arosmith desplegaría sus famosas alas, un disco que los ubicó en lo más alto de la escena, al lado de sus grandes ídolos. Aerosmith, un clásico que brilla por sobre los grupos más clásicos del hard rock. No se podía esperar menos, ya que corrió siempre con ventaja por contar entre sus filas con uno de los más carismáticos y talentosos cantantes de la historia del rock: Steven Tyler. Pero lo más importante a tener en cuenta es que ninguna agrupación permanece junta y vigente por más de 35 años, si la química entre sus integrantes no es única y si lo que tienen para ofrecer no es un producto genuino dotado de gran calidad. Y “Toys In The Attic” no es ni más ni menos que una de las primeras muestras de ello.

1. Toys in the Attic
2. Uncle Salty
3. Adam's Apple
4. Walk This Way
5. Big Ten Inch Record
6. Sweet Emotion
7. No More No More
8. Round and Round
9. You See Me Crying

Link
Pass : heavyrock4life.blogspot

Bob Marley & the Wailers – Natty Dread (1974)

Se podría decir que este es el primer disco bajo el nombre de Bob Marley & The Wailers, aunque evidentemente este no es el primer disco de Bob Marley. Fue también, el primer disco sin Peter Tosh y Bunny Livingstone, y fue la primera vez donde se contaba con los coros femeninos llamadas ITrees, donde estaban Rita Marley (la mujer de Bob Marley), Marcia Griffiths y Judy Mowatt. En 1974 Marley se dedico a trabajar a tiempo completo las sesiones de lo que finalmente dieron como resultado la placa Natty Dread. Dicho álbum incluiría varias canciones intensamente “comprometidas” como Talkin' Blues, No Woman No Cry, que se ha convertido prácticamente en un himno nacional de Jamaica desde entonces, So Jah seh, Revolution, Them belly full y Rebel Music. Natty Dread" es una obra clave en la carrera de Marley y fue aclamado como una obra militante del fervor revolucionario. En resumen esta obra de Marley y los Wailers se convierte en un disco básico y de culto en el cual, Marley vuelca toda su pasión para comunicar ideas radicales cercanas a su creciente convicción de Rastafari. Un disco en el que se define lo que sería el reggae de ahí en adelante, considerado como uno de los mejores discos de la historia. Marley había levantado la mano como uno de los grandes de la música moderna.

1.Lively up Yourself
2.No Woman No Cry
3.Them Belly Full (But We Hungry)
4.Rebel Music (3 O'Clock Road Block)
5.So Jah Seh
6.Natty Dread
7.Bend Down Low
8.Talkin' Blues
9.Revolution


Link

Supertramp – Crime of the Century (1974)

Crime of the Century es el tercer álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado en 1974. El álbum supuso el primer trabajo que incluía la formación clásica del grupo y la producción de Ken Scott, quien previamente había colaborado con David Bowie y The Beatles. Cada vez que se escucha esa armónica al principio, comienzan los recuerdos a aflorar. Es la introducción al mejor disco de los 70 de una banda pop británica. El álbum fue grabado en distintos estudios, incluyendo Ramport Studios, propiedad de The Who, Trident Studios y Scorpio Sound; entre febrero y junio de 1974. Gran parte de las canciones habían sido incluidas previamente en conciertos del grupo, como "School", "Bloody Well Right", "Rudy" y la canción que da título al álbum. “Crime of the century” (1974), un LP de los más conseguidos de su carrera que contenía una retahíla importante de clásicos para la banda británica, como así son “School”, “Hide in your shell”, “Crime of the century”, “Bloody well right” o la estupenda “Dreamer”. La excelente voz de Hodgson, mucho más singular y atractiva que la de Davies, engrandecía algunas excelentes melodías de este importante álbum co-producido entre la banda y Ken Scott, el productor de David Bowie que supo encauzar al grupo hacia el enfoque en canciones más que en estructuras onanistas. Crime of the Century supuso el primer álbum de Supertramp en entrar entre los cuarenta primeros puestos de las listas estadounidensas. Tras la publicación de Even in the Quietest Moments en 1977, Crime of the Century fue certificado como disco de oro por la RIAA.

1.School
2.Bloody Well Right
3.Hide in Your Shell
4.Asylum
5.Dreamer
6.Rudy
7.If Everyone Was Listening
8.Crime of the Century


Link

Eric Clapton – 461 Ocean Boulevard (1974)

461 Ocean Boulevard fue el segundo disco que Eric Clapton hacía tras de su paso por Derek & The Dominos, y el primero ya desintoxicado de la droga. Aunque no abandonó su predilección por las atmósferas

del blues, Eric Clapton se acercó el reggae, gracias a su versión de I Shot The Sheriff, de Bob Marley. Es con este disco, con el que Clapton comienza a cogerle el pulso a su carrera. 461 Ocena Bulevard es un álbum con buenos temas como Give Me Strength y Let It Grow. Clapton se mantiene en la senda del blues con versiones de Robert Johnson, Steady Rollin' Man y de Elmore James, I Can't Hold Out, toca el rock & roll con el clásico de Johnny Otis Willie and the Hand Jive, y se divierte con la guitarra en Motherless Children. El disco llegó al número 1 de las listas americanas. Primordial’ dentro de la vasta discografía de este guitarrista ilustre que ha dado el Blues y el Rock.

1.Motherless Children
2.Give Me Strength
3.Willie and the Hand Jive
4.Get Ready
5.I Shot the Sheriff
6.I Can't Hold Out
7.Please Be With Me
8.Let It Grow
9.Steady Rollin' Man
10.Mainline Florida
11.Better Make it Through Today

Link
Pass: hemissroad

Bad Company – Bad Company (1974)

Influenciados por Cream, fichados por Led Zeppelin para grabar en su sello Swan Song, y provenientes de prestigiosas bandas como Free, Mott The Hoople y King Crimson, Bad Company mostraron en su disco debut, su mejor trabajo, un muestrario vibrante de blues-rock de poderosa ejecución, tanto por la gran capacidad como vocalista de Paul Rodgers como por la habilidad instrumental de sus compañeros, en especial el guitarrista Mick Ralphs, quien junto a Rodgers es el principal autor de la escritura de sus temas. Sus canciones rock con base blues son palpitantes piezas con correosos riffs, letras minimalistas, fibrosa sección rítmica y vigorosa actitud vocal que transmite con pasión historias existenciales de antihéroes, anotaciones de giras y asuntos de carácter amorososexual. Todas sus claves se manifiestan a la perfección en el número 1 "Can't Get Enough". Otros temas destacables del disco son "Rock Steady", soberbia lección de como afrontar con clase, frescura y fortaleza una canción de rock'n'roll, "Bad Company", una de las grandes joyas del álbum, "Seagull", pieza acústica de resonancias folk con un clima casi apocalíptico, o "Ready For Love", excelente y agridulce tema de Ralphs que anteriormente ya había grabado con Mott The Hoople en el magnífico "All The Young Dudes". El álbum alcanzó el puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 en las listas, "Can't Get Enough" en el #5 en 1974 y "Movin' On" en el #19 a principios de 1975.

1.Can't Get Enough
2.Rock Steady
3.Ready For Love
4.Don't Let Me Down
5.Bad Company
6.Way I Choose
7.Movin' On
8.Seagull



Link

Paul McCartney & Wings – Band on the Run (1973)

El mejor disco de Paul McCartney en solitario, para la gran mayoría, tras la separación de los Beatles. Casi siempre maltratado en comparación con Lennon al definir sus composiciones como material ligero sin profundidad, esa comparación está nada más lejos de la realidad, ¿qué mayor profundidad existe que escarbar con perspicacia en uno de los sentimientos motores de la actividad humana como es el amor y sus conexiones emocionales? Sus intachables melodías, ubicadas en multitud de formas musicales (pop, rock, blues, country, folk, vodevil) ennoblecen las habituales materias sentimentales que predominan en sus textos, imprescindibles para cualquier seguidor de la carrera de los Beatles y de MacCartney. Alcanzó el puesto #1 en Estados Unidos en tres ocasiones no consecutivas, y fue certificado como triple disco de platino por las ventas. En el Reino Unido se mantuvo siete semanas en lo más alto de las listas, llegando incluso a ser el álbum británico con más ventas de 1974. A comienzos de 1975, Band on the Run ganó el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal.

1. Band on the Run
2. Jet
3. Bluebird
4. Mrs. Vanderbilt
5. Let Me Roll It
6. Mamunia
7. No Words
8. Helen Wheels
9. Picasso's Last Words (Drink to Me)
10. Nineteen Hundred and Eighty Five


Link

ZZ Top – Tres Hombres (1973)

"Tres hombres" que convirtieron en realidad su sueño de dedicarse a la música: Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería). Juntos formaron en Texas, EEUU, el grupo ZZ Top. Son famosos por su música pero también por su puesta en escena: Gibbons y Hill siempre llevan gafas de sol y su características barbas largas son la imagen de marca de la banda desde la década de los 70. Una época en la que lograron un gran éxito comercial con discos como este con el que alcanzaron el Top Ten americano. Con la producción de Bill Ham, el álbum es una colección de auténtico Rock 'N Roll, ayudado de algunos temas Blues. Tres Hombres es un álbum de ZZ Top que salió a la venta en 1973. Con este álbum, el grupo de Texas se popularizó, entrando en el top 10 de Billboard. Fue ampliamente aclamado culminando con una larga gira de año y medio a lo largo de todo Texas. En él está la ya clásica canción "La Grange", que cuenta la historia del burdel sobre el que trata el musical "The Best Little Whorehouse in Texas". Impresionantes riffs que los subieron al Olimpo de los dioses del rock. Clasicazo de los buenos.

1. Waitin' For the Bus
2. Jesus Just Left Chicago
3. Beer Drinkers & Hell Raisers
4. Master of Sparks
5. Hot, Blue and Righteous
6. Move Me on Down the Line
7. Precious and Grace
8. La Grange
9. Shiek
10. Have You Heard?


Link

Pink Floyd – Dark Side of the Moon (1973)

Uno de los mejores trabajos de esta gran banda, para muchos el mejor de toda su carrera. Después de haber tenido que abandonar a su antiguo líder, Syd Barrett, por sus problemas con las drogas, el resto del grupo (con David Gilmour sustituyendo a Barrett en la guitarra) prosiguió con su carrera con gran éxito, sacando discos tan interesantes como "Atom heart mother" o "Meddle". "The dark side of the moon" fue un Lp muy arriesgado. Muchos se preguntaron porque un grupo con unos trabajos tan elogiados como los mencionados anteriormente, que seguían cosechando grandes éxitos y creando un estilo propio, cambiaron súbitamente de estilo. Si durante el resto de su carrera hubieran seguido componiendo discos como los anteriores, sin cambiar apenas de estilo, Pink Floyd ya ocuparía un lugar privilegiado en la historia del rock. Pero no fue así. Decidieron experimentar con nuevos estilos y lo consiguieron con éxito. Desde que fue lanzado en 1973 se convirtió en uno de los diez discos más vendidos de todos los tiempos, y está listado en el libro Guinness de Récords, por haber estado en las listas de popularidad durante más tiempo que ningún otro álbum, 591 semanas u 11,4 años en la lista de Billboard de los 200 discos más vendidos, con un total aproximado de 14 años (741 semanas), y de vuelta a las listas de Billboard donde ha permanecido durante más de 26 años. En Estados Unidos está en el puesto #21 de los discos más vendidos. El 5 de mayo de 2006, El Lado Oscuro De La Luna alcanzó un combinado total de 1500 semanas en las listas Billborad 200 y Pop Catalog. Mundialmente el disco ha vendido más de 45 millones de copias, en 2004 el promedio de ventas es de 8.000 copias por semana. Un total de 400.000 copias vendidas en el año 2002 lo posicionan en el puesto #200 de los discos más vendidos ese año, a casi tres décadas edición inicial en 1973. Se estima que en Estados Unidos, una de cada 14 personas menores de 50 años de edad posee una copia del disco. Éste es, junto a "The wall", el disco más famoso de Pink Floyd. Sin embargo éste suele gustar más por varias razones: es más sencillo pero tampoco en exceso; aquí todos los componentes escriben canciones (aunque Waters compone tres en solitario y escribe las letras) mientras que en "The Wall" es Waters el líder absoluto. Razones no faltan para oír este soberbio disco, imprescindible para cualquier fan de Pink Floyd, y más allá, que se aprecie de gustarle la buena música.

1. Speak To Me / Breathe In The Air
2. On the Run
3. Time
4. Great Gig in the Sky, The
5. Money
6. Us and Them
7. Any Colour You Like
8. Brain Damage
9. Eclipse


Link

Steely Dan – Countdown to Ecstasy (1973)

Steely Dan es uno de esos grupos clásicos que, inexplicablemente, no han conseguido la resonancia comercial posterior de algunos de sus coetáneos (The Eagles, America o Supertramp). Sin embargo, Countdown to Ecstasy (1973) es, a todas luces, un disco mprescindible para todo aquél aficionado a los álbumes rock de la

década de los '70. Este álbum de 1973 es una verdadera joya musical, plagada de excelentes arreglos vocales, una muy buena instrumentación y la particular voz de Fagen; partiendo desde el tema de entrada “Bodhisattva”, quizás el màs rockero, uno se da cuenta de la calidad musical de sus integrantes, rematando con el excelente solo de guitarra de Denny Días. Luego se van sucediendo los temas, todos vocales, donde se lucen con sus composiciones, destacando para mí la excelente “Razor Boy” con su harmonía y trabajo de vibráfono. Otros temas favoritos son “Boston Rag”, “Your Gold Teeth” con muy buen trabajo de teclados y guitarra. Steely Dan se convirtieron en un referente indiscutible para el gran número de bandas que intentaba encontrar nuevas respuestas a la ebullición musical de los '70. Countdown to Ecstasy supuso una evolución y una exploración sobresaliente de las posibilidades del jazz, el rock, el blues y tantos otros géneros que se encargaron de incluir en el que es quizás su disco más recordado y admirado.

1. Bodhisattva
2. Razor Boy
3. Boston Rag, The
4. Your Gold Teeth
5. Show Biz Kids
6. My Old School
7. Pearl of the Quarter
8. King of the World


Link

Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (1973)

En 1973 Elton John se encontraba en su mejor momento artística y comercialmente hablando, así que “Goodbye Yellow Brick Road” vino a ser la cumbre de su edad de oro, no sólo porque sea su gran obra maestra, sino porque es un disco que en sus 76 minutos de duración nos muestra las diversas facetas de Elton, en cuanto a creatividad es sin duda uno de sus discos más logrados y donde es capaz de hacer coincidir géneros más diversos (rhythm ‘n’ blues, rock sinfónico, hard rock, sus imprescindibles baladas a piano...). Lo mejor de todo es que éste no fue un disco doble “premeditado”, sino que simplemente Elton comenzó a componer canciones hasta que se dio cuenta de que daba para un disco doble lo cual nos confirma hasta qué punto estaba en estado de gracia por entonces. “Goodbye Yellow Brick Road”, uno de los más grandes discos de la historia, es una de esas obras maestras a las que pese a lo largas que son, no le quitarías nada. Porque lo que representa globalmente está por encima de eso: un grandísimo artista dando rienda suelta a todo su potencial. Nosotros, como humildes oyentes, no podemos hacer más que escucharle y disfrutar de su música.

1. Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding
2. Candle in the Wind
3. Bennie and the Jets
4. Goodbye Yellow Brick Road
5. This Song Has No Title
6. Grey Seal
7. Jamaica Jerk Off
8. I've Seen That Movie Too
9. Sweet Painted Lady
10. Ballad of Danny Bailey (1909-34)
11. Dirty Little Girl
12. All the Girls Love Alice
13. Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)
14. Saturday Night's Alright For Fighting
15. Roy Rogers
16. Social Disease
17. Harmony

Link

Mike Oldfield – Tubular Bells (1973)

Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer. Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa. Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

1. Tubular Bells, Part 1
2. Tubular Bells, Part 2


Link

Bob Marley & the Wailers – Catch a Fire (1973)

Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en obtener una repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica. De algún modo, Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte “combativo”, con diatribas dirigidas a los organismos -e individuos- ostentando el poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión (dos aliados indisociables en la cultura rastafari). "Concrete Jungle" revela con una metáfora muy simple- la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década. "Stir It Up" es el hit, el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar con una sonrisa al mas reacio. Una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis. Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se detuvieran un segundo a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.

1. Concrete Jungle
2. Slave Driver
3. 400 Years
4. Stop That Train
5. Baby We've Got A Date (Rock It Baby)
6. Stir It Up
7. Kinky Reggae
8. No More Trouble
9. Midnight Ravers
10. High Tide Or Low Tide
11. All Day All Night


Link

Lynyrd Skynyrd – Pronounced Leh-nerd Skin-nerd (1973)

Junto a la Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd es el grupo más importante que ha conocido el rock sureño, un estilo musical basado en la emulsión de blues-rock, country, boogie, honky tonk y rock'n'roll, y en una apostura personal que subraya sus raíces telúricas-confederadas, de finalidad reinvidicativa y lúdica. Las primeras semillas de Lynyrd Skynyrd fueron diseminadas a mitad de la década de los 60, cuando un grupo de estudiantes de Jacksonville, ciudad del estado de Florida, decidieron formar una banda a la que llamaron My Backyard. Con posterioridad, poco conformes con su nombre, se fueron denominando The Noble Five, Wild Cats, Sons of Satan, Once Percent, Conqueror Worm y finalmente Lynyrd Skynyrd, nombre tomado de su profesor de gimnasia en el instituto, un tipo malhumorado llamado Leonard Skinner. El grupo estaba compuesto por el cantante y guitarrista Ronnie VanZant, los guitarristas Allen Collins y Gary Rossington, el bajista Leon Wilkeson (que sustituyó a Larry Junstrom), el teclista Billy Powell, y el batería Bob Burns. Tras patearse los locales de varios estados sureños, consiguieron llamar la atención de Al Kooper, el ex miembro de Blood, Sweat & Tears que después de contemplar un concierto del grupo en el club Funocchio's de Atlanta, les propuso firmar un contrato discográfico con la MCA. Poco antes de su incorporación a la MCA se les unió otro guitarrista, Ed King, un antiguo componente de la banda psicodélica Strawberry Alarm Clock. El talento del vocalista Ronnie VanZant en la composición, con textos urdidos en su autoafirmación redneck en los que había cabida para el humor, la nostalgia, la algazara o el sentimiento, y el triplete de guitarristas conformado por Ed King con su Fender Stratocaster, Allen Collins con su Gibson Firebird, y Gary Rossington con su Gibson Les Paul, fueron los cimientos básicos de su primer LP, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" , una obra maestra del rock sureño producida por el propio Al Kooper. Entre sus ocho temas destacan cortes como "Gimme three steps", "Tuesday's gone" y "Freebird", una pieza compuesta en homenaje al guitarrista fallecido de los Allman Brothers, Duane Allman, que se convirtió en uno de los grandes clásicos del grupo de Florida. El 20 de octubre de, Ronnie VanZant, Steve Gaines, Cassie Gaines y el manager Din Kilpatrick fallecían tras un accidente aéreo cuando el grupo volaba desde Greenville hacia Baton Rouge. Los demás miembros del grupo resultaron heridos, pero finalmente se recuperaron. Este golpe fue definitivo para la disolución de la banda, pues sin su alma mater compositivo no tendría sentido continuar la trayectoria musical como Lynyrd Skynyrd. Al conmemorarse los diez años del trágico accidente que puso punto y final a la banda, Gary Rossington, Ed King, Leon Wilkeson y Billy Powell volvieron a girar con el nombre de Lynyrd Skynyrd Tribute Tour, incorporándose a la banda el hermano menor de Ronnie, Johnny VanZant y un tercer guitarrista llamado Randall Hall. 

1.I Ain't the One
2.Tuesday's Gone
3.Gimme Three Steps
4.Simple Man
5.Things Goin' On
6.Mississippi Kid
7.Poison Whiskey
8.Free Bird

Link

Rolling Stones – Exile on Main St (1972)

Los Stones encumbrados en lo más alto y atravesando por una de sus etapas de mayor profusión creativa publican este magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizando en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y gospel, que proporciona sublimes instantáneas sónicas apoyadas por la descarnada producción de Jimmy Miller y que, como suele pasar con muchos discos trascendentes, se aborrecen en la primera escucha y se aman al límite en sucesivas escuchas, convirtiéndose en el favorito del grupo y en el más influyente de su carrera. Vibrantes, densas y desaseadas piezas de rock’n’roll enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia Rocks off", "Rip this joint", el single "Tumbling dice", "Sweet Virginia" (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica "Sweet Black Angel" (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada por Keith Richards llamada "Happy", la extraordinaria balada "Let it loose" (con un notable acompañamiento vocal), "Ventilator blues", "All down the line", el regusto blues de "Stop breaking down" o la espléndida "Shine a light", dejan constancia de la gran versatilidad y estatura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor. El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keyes, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas principales crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspides de la historia del rock. Considerado uno de los mejores trabajos realizados por el grupo, la crítica lo coloca como el mejor, y uno de los discos más importantes de la historia del rock. En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el nº 7 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. Rocks Off
2. Rip This Joint
3. Shake Your Hips
4. Casino Boogie
5. Tumbling Dice
6. Sweet Virginia
7. Torn and Frayed
8. Sweet Black Angel
9. Loving Cup
10. Happy
11. Turd On the Run
12. Ventilator Blues
13. I Just Want To See His Face
14. Let It Loose
15. All Down the Line
16. Stop Breaking Down
17. Shine a Light
18. Soul Survivor

Link
Pass: http://tangled--heart.blogspot.com

Alice Cooper – School’s Out (1972)

Después de “Love It To Death” y “Killer”, Alice Cooper publicaron “School’s Out”, un LP con una serie de impresiones y remembranzas escolares de Cooper marcadas por la ironía y el deje teatral tan característico del grupo. El disco, producido por Bob Ezrin, se inicia con el clásico “School’s Out”, una valiosa pieza rock garajero de base blues y afilado riff de Glenn Buxton con soflama de exaltación libertaria juvenil tras el fin del curso escolar. Todo un himno del adolescente harto de los libros y los profesores.

“Gutter Cats vs. The Jets” es un ambicioso tema glam-rock que revisita en clave jocosa el musical “West Side Story”, basado en el enfrentamiento entre pandillas de diferente procedencia. De compleja estructura y prominencia de los teclados del propio productor Boz Ezrin, es uno de los cortes más interesantes del LP. Después del instrumental “Street Fight” aparece “Blue Turk”, un gozoso tema que podría ser escrito para un número musical de Broadway. De esencia jazzística y realce sonoro de los saxos y trompetas, podría estar interpretado por el mismísimo Frank Sinatra. “My Stars” es una pieza rock de cierta intensidad y un piano contagioso pero en general carece de trascendencia lírica e instrumental. “Public Animal #9” es un vibrante tema a lo Rolling Stones de comienzos de los 70 en el cual se subraya la rebeldía adolescente siempre desde un agradecido sentido del humor. “Alma Mater”, fantástica balada con ecos de Paul McCartney escrita por el batería Neal Smith, es uno de los mejores cortes del álbum. Retoman la psicodelia con la distorsión vocal, introducen armonías vocales y se ponen nostálgicos sin perder la ironía. El disco se cierra con el instrumental “Grand Finale”, pieza que recupera la sección de viento, la cual en comunión con la cuerda y los demás instrumentos consigue crear una densa y épica atmósfera, realmente atractiva. School's Out llego a estar en el puesto 7 en el Billboard Hot 100, en el puesto 2 en el Billboard 200 y en el puesto 1 en el UK Singles Chart durante las tres semanas en agosto de 1972.

1. School's Out
2. Alma Mater
3. Blue Turk
4. Grande Finale
5. Gutter Cat Vs. the Jets
6. Luney Tune
7. My Stars
8. Public Animal #9
9. Grande Finale

Link

Paul Simon – Paul Simon (1972)

El cantante y compositor Paul Simon nació en EE.UU. en 1941. Se convirtió en superestrella con el dúo de folk-rock Simon & Garfunkel, muy recordados por su canción "Bridge Over Troubled Water" (1970). Tras su separación, Simon inició una carrera en solitario que despegó con el lanzamiento en febrero de 1972 de su disco “Paul Simon”. En realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco Paul Simon Song Book que se publicó únicamente en Gran Bretaña. Lo que si viene a ser, es el primer LP de

Paul tras la ruptura del dúo, un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso. Fue disco de oro, vendiendo más de 1 millón de copias y alcanzando el puesto 4 en las listas. Como singles se extrajeron los temas más destacados: Mother & Cild Reunion (puesto 4 en las listas); Me & Julio Down By The Schoolyard (puesto 22) y Duncan (puesto 52).

1. Mother and Child Reunion
2. Duncan
3. Everything Put Together Falls Apart
4. Run That Body Down
5. Armistice Day
6. Me and Julio Down by the Schoolyard
7. Peace Like a River
8. Papa Hobo
9. Hobo's Blues
10. Paranoia Blues
11. Congratulations

Link

The Eagles – Eagles (1st Album) (1972)

The Eagles , banda de rock clásico estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70. Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock. The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. Del este primer álbum homónimo de Eagles se desprendió el primer sencillo "Take it easy". Dando muestras de la magia que vendría a raudales en unos años más.

1. Take It Easy
2. Witchy Woman
3. Chug All Night
4. Most of Us Are Sad
5. Nightingale
6. Train Leaves Here This Morning
7. Take the Devil
8. Earlybird
9. Peaceful Easy Feeling
10. Tryin'

Link

Stephen Still – Manassas (1972)

Stephen Stills acompañado por un espectacular grupo de amigos y grabando uno de los discos más heterogéneos que jamás se hayans realizado. Algunos acompañantes de lujo son Chris Hillman, ex Byrds y Flying Burrito Brothers; Al Perkins, miembro de los Flying Burrito Brothers y Shilo; el prestigioso batería Dallas Taylor, el no menos celebrado fiddle de Byron Berline, participante en los discos de Gram Parsons, Byrds, Flying Burrito Brothers o The Dillards. Incluso el bajista de los Rolling Stones Bill Wyman introduce su instrumento en algún tema. La intención de Stills era la creación de un supergrupo country-rock pero que tristemente sólo produjo un disco más, titulado "Down the road" (1973). Su primer trabajo es este doble Lp, un impresionante recorrido por todos los ángulos de la música tradicional americana, temas acústicos y eléctricos que desarrollan sonidos blues, country, rock, pasajes latinos, rock'n'roll, folk o bluegrass en una sabia ejecución instrumental y vocal (las armonías de Hillman, contrapunto a la voz rota y cruda de Stills resultan admirables). Dentro de tanta aglomeración de calidad, los temas más sobresalientes de esta obra maestra son "Song of love", "Both of us (Bound to lose)", "Fallen Eagle", la sublime "So begins the task", "It doesn't matter (una joya escrita y cantada al alimón por Stills y Chris Hillman), "Johnny's garden", "Bound to fall", "What to do" y "The Treasure", un auténtico tesoro de canción.

1. Song of Love
2. Rock & Roll Crazies / Cuban Bluegrass
3. Jet Set (Sigh)
4. Anyway
5. Both of Us (Bound to Lose)
6. Fallen Eagle
7. Jesus Gave Love Away For Free
8. Colorado
9. So Begins the Task
10. Hide It So Deep
11. Don't Look at My Shadow
12. It Doesn't Matter
13. Johnny's Garden
14. Bound to Fall
15. How Far
16. Move Around
17. Love Gangster, The
18. What to Do
19. Right Now
20. Treasure, The - (take 1)
21. Blues Man

Link

Stevie Wonder – Talking Book (1972)

Es muy fácil hablar bien de un disco que contiene "Superstition". También es fácil hablar de un disco que contiene "You Are The Sunshine Of My Life". Si sabes que el autor y extraordinario intérprete de estas canciones es además productor y arreglista de las mismas, y se encarga de tocar prácticamente todos los instrumentos, es fácil también hablar de este autor. Quiero decir: es tan fácil hablar de Stevie Wonder y de "Talking Book", que uno no sabe que decir. "Talking Book" es el primero de los grandes discos de autor de Wonder, después de su declaración de independencia artística, que inauguraba su etapa de prodigiosa creatividad que le llevó a ser uno de los grandes creadores de los años setenta. La racha posterior de grandes obras, consolidó a Wonder como uno de los mayores genios de la música negra de todos los tiempos, un caso excepcional de niño prodigio convertido en maestro prematuro. Investigando con los incipientes sintetizadores se permitió el lujo de controlar casi todos los aspectos de su obra, mientras que progresivamente una conciencia social y política que iba a más, comenzaba a manifestarse en sus letras. En esta ocasión el disco resulta mayoritariamente una romántica colección de canciones de amor y desamor dedicadas a Syreeta Wright, su mujer de entonces, y compañera de voces en la hermosa y rendida "You Are the Sunshine of My Life". En "Talking Book" podemos disfrutar de una serie de baladas marca de la casa, algo saturadas de azúcares ("You and I (We Can Conquer the World)", "Blame It on the Sun", "Lookin' for Another Pure Love", que se acercan peligrosamente al empalago, pero que se salvan gracias a la visionaria brillantez de su producción y a las extraordinarias dotes vocales de un Wonder prodigioso. Como cumbre de esta faceta del disco el cierre y esperanzador broche de oro: "I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)", preciosa y compleja balada con un estallido gospel tan febril que le hace a uno creer como Wonder entonces, que el amor carnal no sólo puede ser eterno, sino que también es una genuina vía de redención espiritual. Cuando fue escogida como cierre para los créditos finales de "Alta Fidelidad" hubo que rendirse sin condiciones ante la mano maestra con la que se escogió aquella banda sonora. Por otro lado se percibe una incipiente vena social, que se manifestaría del todo en el siguiente álbum, entra de lleno en harina,

denunciando la hipocresía de los políticos blancos recolectando votos en los barrios negros. Y en "Superstition", Wonder sermonea sobre los peligros de las creencias irracionales. Sin embargo en este caso el

mensaje sucumbe al medio: uno de los mejores singles de todos los tiempos y uno de los más prodigiosos "grooves" jamás construidos. A partir de un teclado (clavinet) utilizado como instrumento casi percusivo con unos arreglos de viento sensacionales, la infección de ritmo resulta inevitable. No en vano, Wonder había escrito el tema pensando en dárselo a Jeff Beck, pero el astuto Berry Gordy olfateó el "hit" y le ordenó grabarlo rápidamente y publicarlo a su nombre. Un número uno como aquél no se podía dejar pasar. Así que más de treinta años después, aún la prodigiosa música de Wonder, tan repleta de colorido que parece una suerte de poliédrica visión alternativa a aquella de la que el propio Wonder carece, nos puede infectar de groove y hermosos sentimientos. Un álbum imprescindible en tu colección.

1. You Are the Sunshine of My Life
2. Maybe Your Baby
3. You and I
4. Tuesday Heartbreak
5. You've Got It Bad Girl
6. Superstition
7. Big Brother
8. Blame It on the Sun
9. Lookin' For Another Pure Love
10. I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever


Link

Nitty Gritty Dirt Band – Will the Circle Be Unbroken (1972)

The Nitty Gritty Dirt Band se formó en el sur de California durante la primavera de 1966, como una joven banda desaliñada. Cuarenta y dos años más tarde, el cuarteto (Jeff Hanna, Jimmie Fadden, Bob Carpenter y John McEuen) sigue activo. “Will the Circle Be Unbroken “ Es un álbum recopilatorio donde la Nitty Gritty Dirt Band, se reunen con un montón de amigos para tocar los grandes clásicos del country, como Randy Scruggs, Roy Huskey Jr., Jerry Douglas, Mark O'Connor, Chet Atkins, Sam Bush, Vassar Clements (a alguien le suena esta gente?), Bela Fleck, Bernie Leadon, John McEuen, Buck White, Roy Acuff, Paulette Carlson, The Carter Family, Johnny Cash (bueno, uno conocido), June Carter Cash, Rosanne Cash, John Denver, Emmylou Harris, Levon Helm, John Hiatt, Chris Hillman, Bruce Hornsby, Jimmy Martin, Roger McGuinn, Michael Martin Murphey, New Grass Revival, John Prine, Earl Scruggs y Ricky Skaggs. El cambio radical en su suerte llegó con este su mágico Will the circle be unbroken", que pronto vende 1 millón de copias, una obra que hoy en día sigue siendo pieza clave en la historia de la Música Country.

Disco 1
1. Grand Ole Opry Song (Hylo Brown) with Jimmy Martin
2. Keep on the Sunny Side (A.P. Carter, Gary Garett) with Maybelle Carter
3. Nashville Blues (Earl Scruggs)
4. You Are My Flower (A.P. Carter)
5. The Precious Jewel (Roy Acuff) with Roy Acuff
6. Dark as a Dungeon (Merle Travis) with Merle Travis
7. Tennessee Stud (Jimmie Driftwood) with Doc Watson
8. Black Mountain Rag (Traditional)
9. Wreck on the Highway (Dorothy Dixon) with Roy Acuff
10. The End of the World (Fred Rose)
11. I Saw the Light (Hank Williams) with Roy Acuff
12. Sunny Side of the Mountain (Byron Gregory, Harry McAuliffe)
13. Nine Pound Hammer (Merle Travis)
14. Honky Tonkin' (Hank Williams)
15. You Don't Know My Mind (Jimmie Skinner) with Jimmy Martin
16. My Walkin' Shoes (Jimmy Martin, Paul Williams) with Jimmy Martin

Disco 2
1. Lonesome Fiddle Blues (Vassar Clements)
2. Cannonball Rag (Merle Travis) with Merle Travis
3. Avalanche (Millie Clements)
4. Flint Hill Special (Earl Scruggs)
5. Togary Mountain (Walter McEuen)
6. Earl's Breakdown (Earl Scruggs)
7. Orange Blossom Special (Ervin T. Rouse) with Vassar Clements
8. Wabash Cannonball (A.P. Carter)
9. Lost Highway (Leon Payne)
10. Doc Watson & Merle Travis First Meeting (Dialogue)
11. Way Downtown (Traditional, Doc Watson) with Doc Watson
12. Down Yonder (Doc Watson) with Doc Watson
13. Pins and Needles (In My Heart) (Floyd Jenkins) with Roy Acuff
14. Honky Tonk Blues (Hank Williams)
15. Sailin' on to Hawaii (Beecher Kirby) with Bashful Brother Oswald
16. I'm Thinking Tonight of My Blue Eyes (A.P. Carter)
17. I am a Pilgrim (Traditional)
18. Wildwood Flower (A.P. Carter) with Maybelle Carter
19. Soldier's Joy (John McEuen, Earl Scruggs)
20. Will the Circle Be Unbroken (A.P. Carter)
21. Both Sides Now (Joni Mitchell) with Randy Scruggs



Link 1
Link 2

Lou Reed – Transformer (1972)

Si Lou Reed simplemente hubiese firmado este soberbio disco (dejando al margen sus influyentes grabaciones con la Velvet Underground) ya ocuparía un lugar de honor en la historia del rock. Se trata de un álbum con parte de las constantes temáticas del compositor neoyorquino (travestis, prostitutas, homosexuales, drogadictos, extraños personajes...) que grabó en asociación con David Bowie y Mick Ronson. La perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua o provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el gigante clásico (utilizado no en pocas ocasiones en anuncios televisivos) "Walk On The Wild Side". canción que fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed. Si la producción conjunta de los dos citados es excelente, hay que expresar una especial mención para Mick Ronson (ya que muchas veces sólo se menciona a Bowie), quien además de producir, arregla las cuerdas y el bajo, toca la guitarra y el piano, convirtiéndose en pieza esencial para la consecución del heterogéneo sonido. Klaus Voorman y Herbie Flowers (que introduce una magnífica tuba, además del bajo) son otros imprescindibles componentes para lograr una perfecta interactuación entre grandes músicos que consuman un trabajo magistral lleno de ingenio, ironía y ecléctico muestrario sonoro, que va tanto del glam-rock o el pop pasando por el hard-rock o el jazz con aromas cabareteros. “Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.

1. Vicious

2. Andy´s chest

3. Perfect Day

4. Hangin´g round

5. Walk on the wild side

6. Make up

7. Satellite of love

8. Wagon wheel

9. New York telephone conversation

10. I´m so free

11. Goodnight ladies

12. Hangin´g round (acoustic demo)

13. Perfect day (acoustic demo)ew York telephone conversation

Link

Deep Purple – Made in Japan (1972)

Desde luego que Deep Purple no fue el primer grupo en hacer Hard Rock. Podríamos debatir sobre si todo empezó con Black Sabbath, Led Zeppelin, Grand Funk o los propios Purple. Tampoco el Made in Japan fue el primer disco en directo de rock duro. Lo que sí considero es que fue el primer gran disco de rock duro que se publicó. Y de eso va esta lista: de los Grandes Conciertos de Hard Rock que se han hecho…y el Made in Japan fue el primero. La magia de escuchar ese comienzo de Highway star con el rasgar de la aguja en el plato. Es un sonido que los CD’s no han sido capaces de reproducir. Highway star sonando en una apertura de concierto que ya iba a marcar las bases de muchos grupos. Un tema potente de apertura de concierto para calentar los ánimos y un solo de guitarra vibrante con Richie Blackmore. Luego llega el momento del lucimiento de la voz de Ian Gillan y esos aullidos imposibles de Child in Time. que los guitarristas primerizos aprenden a tocar. En The mule descubrimos a uno de los mejores baterías en su mejor momento. Ian Paice nos ofrece un ejercicio impresionante en otra de las prácticas que se convertirán en un clásico de los conciertos heavies: el sólo de batería. La improvisación llega con Strange Kind of woman. Un cambio de registro con Lazy y por fin el tema largo o alargado de Space Truckin. Todo ello acompañado por un público de un país que aquí en occidente nos dejaba perplejos. Quién se puede imaginar ahora un concierto como el Made in Japan sentado en una silla y simplemente aplaudiendo al término de cada canción. Desde estos conciertos de Japón son muchos los grupos que quisieron inmortalizar sus actuaciones en esas, entonces, extrañas y lejanas tierras. Luego llego la novedad de Moscow. En los últimos años los que más suenan son los escenarios de Australia y en un futuro seguro que China e India terminarán acogiendo grandes eventos. Eso fue en origen el Made in Japan. Luego llegaron los CD’s y la posibilidad de añadir nuevos temas. Salió el Made in Japan edición 25 aniversario con carátula negra que incluía dos CD’s y tres temas extra como Black night, Speed king o Lucille. Y como el repertorio del Made in Japan estaba formado por temas sacados de tres conciertos en Japón en 1972: el 15, 16 de Agosto en Osaka y el 17 de agosto en Tokyo, pues terminaron saliendo las grabaciones íntegras en un triple CD titulado Live in Japan. Aquí dejo el original, el que inicio la revolución de los álbumes de conciertos.

01-Highway Star
02-Child In Time
03-Smoke On The Water
04-The Mule
05-Strange Kind Of Woman
06-Lazy
07-Space Truckin'

Link

Neil Young – Harvest (1972)

El disco más famoso y comercial de Neil Young y un trabajo esencial dentro de la amplia carrera del magnífico cantautor canadiense. Con plácidas texturas folk, country y rock, llena de tempos de calidez acústica y arreglos orquestales de Jack Nitzsche, "Harvest", primer álbum realizado en colaboración con los Stray Gators, contiene momentos indelebles dentro de la discografía de Young, como "Heart of gold", "Are you ready for the country?", "Old man", "Alabama", "The needle and the damage done" (interpretada en directo en UCLA) o la estupenda pieza homónima "Harvest". Diatribas generacionales, cuitas sentimentales, antibelicismo, drogas o antiracismo, son algunos de los temas abordados en unas bellas canciones que contaron con el apoyo vocal en algunas piezas de David Crosby, Stepen Stills, Graham Nash, James Taylor y Linda Ronstadt, además de la agradecida orquestación de la London Symphony Orchestra conducida por David Meecham. Fue el álbum con el que más copias vendió en su trayectoria y el que mejor aceptación tuvo entre crítica y público. Plagado de melancolía, es un trabajo que marcó estilo a comienzos de los 70.

1. Out on the Weekend
2. Harvest
3. A Man Needs a Maid
4. Heart of Gold
5. Are You Ready for the Country?
6. Old Man
7. There's a World
8. Alabama
9. The Needle and the Damage Done
10. Words (Between the Lines of Age)



Link

Steely Dan – Can’t Buy a Thrill (1972)

Primer disco de estudio de Steely Dan, y probablemente su mayor éxito, Can't Buy A Thrill fue el inicio de Donald Fagen y Walter Becker como líderes de la banda. El disco goza de un sónido muy bueno, con guitarras bien potentes, una buena ejecución de piano y un bajo y una batería marcando un incesante ritmo que suele desbocar en una furia descontrolada donde todos los instrumentos se juntan a desparramar melodías. El disco cuenta con Reelin' in the Years, el tema clásico por excelencia de Steely Dan, con un solo de guitarra que es para morirse. El resto de las canciones (Do it Again, Dirty Work) son también muy buenas,

aunque sin llegar a la altura del RitY. Un disco muy sólido, teniendo en cuenta que es un álbum debut.

1.- Do It Again
2.- Dirty Work
3.- Kings
4.- Midnite Cruiser
5.- Only A Fool Would Say That
6.- Reelin' in the Years
7.- Fire in the Hole
8.- Brooklyn (Owes the Charmer Under Me)
9.- Change of the Guard
10.- Turn That Heartbeat Over Again


Link

Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1971)

Harry Nilsson, considerado el beatle estadounidense por el lirismo de sus composiciones y la dulzura de su voz. Se trasladó muy joven con su familia a California, donde aprendió a tocar la guitarra y el piano, al tiempo que trabajaba en un banco. En 1967 grabó su primer disco, The Pandemonium Shadow Show. Este trabajo impresionó de tal manera a John Lennon que desde entonces le consideró como su músico norteamericano preferido, iniciándose así una relación casi fraternal. En 1971 Nilsson grabaría un nuevo disco "Nilsson Schmilsson" que fue producido por Richard Perry y se convertiría en el disco más vendido de Nilsson. El álbum incluía el tema "Without You" que fue un éxito mundial en 1972 y ganador del Grammy. Otro single destacado de ese disco fue "Coconut" que también tuvo éxito en ventas.

1. Gotta Get Up
2. Driving Along
3. Early In The Morning
4. Moonbeam Song
5. Down
6. Without You
7. Coconut
8. Let The Good Times Roll
9. Jump Into The Fire
10. I'll Never Leave You

Link

Faces – A Nod is as Good as a Wink… To a Blind Horse (1971)

The Small Faces fue un grupo británico de los sesenta liderado por el guitarrista y cantante Steve Marriott. Principales representantes musicales del movimiento mod. Cuando Marriott abandona la banda en 1969 para fundar Humble Pie los tres restantes integrantes el bajista Ronnie Lane, el batería Kenney Jones y el teclista Ian McLagan reclutan al guitarrista Ron Wood y el vocalista Rod Stewart (ambos procedentes de The Jeff Beck Group) y adoptarían simplemente el nombre de Faces. El grupo, influenciado por los últimos trabajos de la década de los 60 de los Rolling Stones, comenzó a rodar en 1969. El fuerte de la banda era la música en directo, su sonido en vivo de crudo rock and roll y blues, con Rod Stewart mostrando su talento como frontman. Luego de sus primeros dos discos First Step en 1970 y Long Player de 1971. Los Faces confirmarían su estatus como poderosa banda de rock con A nod’s as good as a wink…to a blind horse también editado en 1971, fue recibido con entusiasmo por el público y la crítica especializada. Incluye los temas mas importantes de la banda como Miss Judy’s Farm, Debris, Stay With Me y You’re So Rude y otros buenos temas como Too Bad y That’s All You Need. El carisma de Rod Stewart lo llevaría a iniciar una carrera en paralelo a los Faces, que ya había sido iniciado con The Rod Stewart Album (1969). Con el correr de los años la banda comenzó a verse eclipsada por su cantante solista y en 1975 Ron Wood se uniría a los Rolling Stones para reemplazar a Mick Taylor y en diciembre de ese año la banda anunció su disolución.

1. Miss Judy's Farm
2. You're So Rude
3. Love Lives Here
4. Last Orders Please
5. Stay With Me
6. Debris
7. Memphis
8. Too Bad
9. That's All You Need


Link

Janis Joplin – Pearl (1971)

La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido. Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love. La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock. A las seis semanas de su muerte, salió este trabajo “Pearl”. Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera "Move over"; la irónica "Mercedes Benz", cantada a capella; el número 1 "Me & Bobby McGee", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de "Half Moon", la balada soul "Trust me" y el sensacional instrumental "Buried alive in the blues" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto). Janis Joplin, símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1995. Y en el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos . En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos. Pearl fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Joplin dejó en testamento 10000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me And Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can


Link

Rod Stewart – Every Picture Tells a Story (1971)

Directa, fresca, melancólica y cruda mezcolanza de folk, blues, country y rock para este acústico LP, esencial en la carrera en solitario de Rod The Mod en su etapa paralela a los Faces. Este espléndido vocalista de carrasposa factura presenta aquí un disco de múltiples ángulos emocionales. El tema homónimo, compuesto por Rod Stewart con su buen amigo Ron Wood es una impetuosa pieza en donde se relatan las peripecias de un muchacho sin confianza vagando por el mundo hasta que consigue encontrar el gran amor de su vida en Pekín. La mejor canción del álbum es "Maggy Mae". Con una introducción de corte medieval, es una maravillosa pieza original de Stewart y el guitarrista Martin Quittenton en la cual se exponen las pasiones amorosas entre una solitaria mujer madura y un colegial utilizado por aquella para su desahogo sexual, mientras que el pobre adolescente, totalmente enamorado, desea una mayor complicidad sentimental. En la romántica y bella "Mandolin Wind", otra gran canción a la altura de su precedente, Rod muestra su faceta más sentimental. Las versiones aportan en la voz del famoso cantante una dimensión nueva, como en "Seems like a long time", emocionante corte de Ted Anderson con apoyo vocal de Maggie y Madeline Bell. También recupera con eficacia el clásico de Billy Crudup y a Elvis Presley en "That's all right", triunfa en la revisitación de "Tomorrow is a long time" de Bob Dylan y junto a sus compañeros de los Faces disfruta con una electrizante, rockera y nutritiva revisitación del clásico soul de los Temptations "(I know) I'm losing you". El disco finaliza con una gran versión del tema de Tim Hardin "(Find a) Reason To Believe" que cuenta con Ian McLagan al órgano, Dick Powell al violín y Pete Sears al piano, además de sus inseparables Ron Wood y Mickey Waller, almas instrumentales del disco junto a su hacedor, Rod Stewart, también en faceta de productor.

1. Every Picture Tells A Story
2. Seems Like A Long Time
3. That's All Right
4. Tomorrow Is A Long Time
5. Maggie May
6. Mandolin Wind
7. (I Know) I'm Losing You
8. (Find A) Reason To Believe


Link

Led Zeppelin – IV (1971)

El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed. Extraordinario disco de una banda extraordinaria, epítome de su habilidad para entresacar sudorosas composiciones de inspirada y rocosa arquitectura sonora y elevarlas a inmortales himnos rock de punzante ejercicio rítmico y exaltada escritura. Tres inmejorables instrumentistas que habían aprendido todo sobre el negocio en sus largos años como músicos de sesión y uno de los grandes frontman de la historia del rock nos regalan un soberbio trabajo impregnado de rock, blues y folk, no en vano la utilización de Sandy Denny como apoyo vocal de Robert Plant en la medievalista y tolkieniana "The battle of evermore". "Rock and roll", un homenaje al rock de los 50; "When the leeve breaks" , canción de poso blues con una rotunda batería de Bonham; "Misty Mountain Hop", festiva composición donde satirizan el mundo hippie, "Black Dog", un poderoso tema hard-rock con una atronadora guitarra de Page ; el folk acústico a lo Neil Young o Joni Mitchell de "Going to California" o la monumental, épica y críptica "Stairway to heaven" son otros temas esenciales de un álbum demoledor de penetrantes e imaginativas texturas, clave en la evolución del rock. Con éste disco, me atrevo a decir que definieron el hard-rock de los '70, con un Jimmy Page conduciendo a la banda a base de riffs monolíticos como nunca antes se había visto en una banda. Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin. Fue lanzado en 1971 y vendió 15 millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una megabanda. Con el tiempo, ha llegado a vender 22 millones de copias, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos. Este álbum, fue el LP más vendido de la banda y actualmente está en

la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).

1. Black Dog
2. Rock and Roll
3. The Battle of Evermore
4. Stairway To Heaven
5. Misty Mountain Hop
6. Four Sticks
7. Going to California
8. When the Levee Breaks

Link